Scielo RSS <![CDATA[Aisthesis]]> https://scielo.conicyt.cl/rss.php?pid=0718-718120190001&lang=es vol. num. 65 lang. es <![CDATA[SciELO Logo]]> https://scielo.conicyt.cl/img/en/fbpelogp.gif https://scielo.conicyt.cl <![CDATA[Políticas de la memoria <em>en</em> y <em>desde</em> la imagen. La serie fotográfica <em>Chaco 1978</em> de Pedro Luis Raota]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100009&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Este trabajo analiza la serie de fotografías Chaco 1978 de Pedro Luis Raota, como parte de la práctica fotográfica de la última dictadura militar en la Argentina. Se entiende a las imágenes de la serie como agentes de un proyecto político-visual de construcción/presentación de la provincia del Chaco en el contexto propagandístico nacional y provincial. Se exploran las vinculaciones entre la producción fotográfica del autor y el discurso y la ideología de la última dictadura militar argentina, con la finalidad de desmontar las estrategias de producción y circulación de la serie a efectos de repensar el eslogan “Chaco puede”, establecido desde el gobierno provincial, en consonancia con la política nacional de “refundar la Nación”.<hr/>Abstract This paper analyzes the photographic series Chaco 1978 by Pedro Luis Raota, as part of the photographic practice during the last military dictatorship in Argentina. The images of the series are understood as agents of a visual policy project of construction / presentation of the province of Chaco in both the national and provincial propaganda context. The linkages between the photographic production of Raota and the discourse and ideology of the last Argentine military dictatorship are explored, with the purpose of dismantling the production and circulation strategies of the series. That in turn allows us to rethink the “Chaco can” slogan established by the Provincial Government and its relationship with the national policy of “Refounding the Nation.” <![CDATA[<em>Estudios sobre la felicidad</em>: Alfredo Jaar y el estremecimiento del goce]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100037&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Este artículo aborda Estudios sobre la felicidad (1979-1981), de Alfredo Jaar, mediante una discusión interdisciplinaria que cruza los análisis estético, histórico, filosófico, político y psicoanalítico. Estudios y su pregunta buscaron intervenir en la dictadura, pero también se desbordan en la sociedad democrática y neoliberal como un cuestionamiento a la subjetividad política y a la hegemonía. Este trabajo analiza la (cuasi) invisibilidad durante la dictadura y la posterior “visibilidad” que “enmarcan” esta obra. La obra de Jaar se des-obra en su desistencia y abre, tal vez, un espacio infrapolítico donde el goce estremece a lo político.<hr/>Abstract This article addresses the Studies on Happiness project (1979-1981) by Alfredo Jaar through an interdisciplinary discussion that crosses aesthetic, historical, philosophical and psychoanalytical approaches. Studies and its question aimed to intervene during the dictatorship but also they over-flow in the democratic and neoliberal society as a questioning about political subjectivity and hegemony. This article analyzes the cuasi-invisibility during the dictatorship and the later “visibility” that “frame” this work. Jaar's work unworks itself in its desistance, finding perhaps an infrapolitical space where enjoyment starts to shake the political. <![CDATA[Modernidad e internacionalización: Arte en Colombia (1943-1956)]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100065&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Entre 1943 y 1956 artistas colombianos fueron invitados a participar de eventos de exposición en el extranjero. Tres de ellos, que revelan dinámicas para el arte occidental, guían la estructura de este artículo: la exposición de la colección de arte latinoamericano del MoMA (1943), 32 artistas de las Américas (1949) y la Bienal Hispanoamericana de Arte (1951-1956). La investigación da cuenta de este período de movilidad artística y sus efectos, apoyándose en bibliografía secundaria y en información consignada en documentos pertenecientes al Museo Nacional de Colombia, el Museo de Arte de las Américas, el MoMA y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.<hr/>Abstract Colombian artists were invited to participate in exhibition events abroad between 1943 and 1956. Three of them, which reveal dynamics for Western art, guide the structure of this article: The Latin-American Collection of the Museum of Modern Art (1943), 32 artistas de las Américas (1949) and the Hispano-American Biennial of Art (1951-1956). The research analyzes this period of artistic mobility and its effects, relying on secondary sources and information contained in documents belonging to the Museo Nacional de Colombia, the Museo de Arte de las Américas, The Museum of Modern Art (MoMA) and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. <![CDATA[Tatuaje: ¿Entre el arcaísmo y la moda?]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100095&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Este artículo aborda un tema contemporáneo, pero con ecos del pasado. En efecto, los tatuajes que vemos hoy en los cuerpos que se exhiben en las calles y en las pantallas pertenecen tanto a la cotidianidad más reciente, que participa de un furor que algunos vinculan con los fenómenos de la moda en la sociedad de masas, como a un registro que se podría denominar arcaico en tanto remite a prácticas asociadas a contextos lejanos respecto de las metrópolis industrializadas. Situar al tatuaje entre el arcaísmo y la moda constituye una hipótesis de trabajo que se abordará por medio de un análisis conceptual de tipo ensayístico y recurriendo también a algunos dichos obtenidos en entrevistas con personas tatuadas y profesionales del tatuaje.<hr/>Abstract This essay deals with a contemporary issue, but with echoes in the past. Indeed, tattoos we see today on the bodies exhibited in the streets and on screens belong both to the most recent everydayness–that participates in a furore that some link to the phenomena of fashion in mass society–as to a record that could be named as archaic since it refers to practices for centuries associated with contexts which are distant to the large industrialized cities. Placing tattoos between archaism and fashion is a working hypothesis to be addressed by a theoretical analysis and also through some testimonies obtained in interviews with tattooed people and tattoo artists. <![CDATA[Ficciones distópicas latinoamericanas: Elaboraciones esquizo-utópicas]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100115&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen El artículo determina el sentido actual de la forma literaria distópica en tres novelas latinoamericanas: El insoportable paso del tiempo (2016) del chileno Francisco Rivas, El año del desierto (2010) del argentino Pedro Mairal y No tendrás rostro (2013) del mexicano David Miklos. En estas obras el escenario distópico posapocalíptico permite la reelaboración de traumas históricos. No obstante, lo anterior no se relaciona con la visión del trauma como base de la civilización, sino al contrario, con la posibilidad de vislumbrar la emancipación de la comunidad humana de sus traumas colectivos. De este modo, la ficción distópica posiciona al sujeto como máquina esquizo-deseante, es decir, el agente de un deseo utópico liberado de la circularidad melancólica propia al trauma.<hr/>Abstract The paper establishes the actual meaning of dystopia literary form in three Latin American novels: El insoportable paso del tiempo (2016) by Chilean writer Francisco Rivas, El año del desierto (2010) by Argentine Pedro Mairal and No tendrás rostro (2013) by Mexican David Miklos. In these texts, the post-apocalyptic scenario allows the reworking of historic traumas. However, the previous is not related to a vision of trauma as the basis of civilization, but on the contrary, with the possibility of glimpsing the emancipation of the human community from its collective traumas. In this way, the dystopian fiction sets the subject as a schizo-desiring machine as the agent of a utopian desire released from the melancholic circularity proper to trauma. <![CDATA[Comunidad y escritura: Entre el comunismo literario y la escritura del disenso]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100135&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen El presente artículo pretende establecer un diálogo entre los filósofos franceses Jean-Luc Nancy y Jacques Rancière, en la medida en que para los dos autores la escritura constituye una suerte de instancia paradigmática para pensar el ser-en-común como interrupción de un cierto reparto de lo sensible, asociado a la lógica de la inmanencia o clausura del sentido para Nancy, y al régimen representativo de la literatura que tiene que ver con una comunidad consensual, en el caso de Rancière. En la base de ambas posiciones se identifican dos aspectos comunes que son esenciales: una crítica a la subjetividad en tanto exclusión de la alteridad, y la idea de una comunidad que comparece, que coexiste, o que existe ya en el seno mismo de esa comunidad idéntica a sí misma, comunidad mítica o utopía consensual, de la cual es su interrupción.<hr/>Abstract This article intends to establish a dialogue between the French philosophers Jean-Luc Nancy and Jacques Rancière, inasmuch as for the two authors writing constitutes a kind of paradigmatic instance to think of being-in-common as interruption of a certain distribution of the sensible, associated with the logic of the immanence or closure of the sense for Nancy, and the representative regime of literature that has to do with a consensual community, in the case of Rancière. At the basis of both positions two common aspects that are essential can be identified: a critique of subjectivity as an exclusion of otherness, and the idea of a community that always appears, coexists, or already exists within the very heart of that community identical to itself, mythical community or consensual utopia, of which it is its interruption. <![CDATA[Dramaturgia: Genealogías de una categoría, estatuto de un concepto]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100153&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Desde fines de la década de 1960 la escena teatral ha experimentado una importante transformación que ha tendido a privilegiar el carácter de acontecimiento de la escena y su impacto visual. Esto ha tenido como resultado poner en cuestión el lugar del texto en el sistema de producción teatral. Asimismo, los nuevos enfoques de análisis en la investigación también han tendido a enfatizar este carácter de acontecimiento. Este diagnóstico contrasta con el surgimiento de nuevas escrituras que irrumpen en el campo teatral no solo confrontando las formas escénicas establecidas, sino lo que se ha entendido convencionalmente por dramaturgia. Esto ha llevado hace ya un tiempo a instalar el debate por el estatuto del texto teatral y la urgencia de reconfigurar categorías como “drama”, “dramático” o “dramaturgia”. El siguiente artículo desea proponer una reflexión al respecto y establecer una hipótesis conceptual sobre el significado y la función de la idea de “dramaturgia” en el horizonte de la escena contemporánea.<hr/>Abstract Since the end of the 1960s the theatrical scene has experienced a major transformation that has tended to privilege the nature of event of the scene and its visual impact. This has resulted in questioning the place of the text in the theatrical production system. Likewise, new approaches of analysis in research have also tended to emphasize this character of event. This diagnosis contrasts with the emergence of new writings which burst in the theatrical field not only confronting the scenic forms established, but also what has been understood by dramaturgy. This has led to install the debate over the status of the theatrical text and the urgency of reconfiguring categories as “drama”, “dramatic” or “dramaturgy.” The following article wishes to propose a reflection and establish a conceptual hypothesis about the meaning and function of the idea of “dramaturgy” on the contemporary scene. <![CDATA[EI espejo y el abismo. La presencia del teatro en el cine moderno argentino]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100169&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen El artículo busca examinar distintas formas de inscripción de espectáculos y actividades teatrales presentes en un conjunto de obras pertenecientes al cine moderno argentino. A partir del análisis fílmico de producciones realizadas entre 1954 y 1976, el texto intentará diagramar la existencia de dos modalidades complementarias: las citas al universo teatral como mecanismo especular, que permite constatar la búsqueda de una consagración horizontal entre ambas disciplinas, y la inclusión de elementos teatrales como recurso que posibilita la aparición de una puesta en abismo de la representación.<hr/>Abstract The article seeks to examine different forms of inscription of spectacles and theatrical activities present in a group of modern Argentine films. From the filmic analysis of productions made between 1954 and 1976, the text will try to lay out the existence of two complementary modalities: the references to the theatrical universe as a specular mechanism that allows to verify the search of a horizontal consecration between both disciplines; and the inclusion of theatrical elements as a resource that enables the appearance of a mise en abyme of representation. <![CDATA[Pasajes en cinta blanca]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100195&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen A partir de la aparición y desaparición de una voz que, en off, se instala para hacer de los fragmentos del recuerdo una historia, se analiza el deber-contar que sostiene la película Das weiße Band. Eine Deutsche Kindergeschichte, de Michael Haneke. Desde esta única referencia, la voz en off, se ha puesto un interés particular en la escucha, entendida como el esfuerzo por precisar la construcción de esta historia que solo se sabe de oídas. En consecuencia, la propuesta, más allá de contar la película o la trama de lo que pudiera ser un posible argumento sobre ella, apunta a dilucidar aquello que hace de la escucha un motivo que poco o nada tiene que ver con la exactitud de los hechos a contar, en tanto lo que importa es lo que ha de pasar mientras dura el deber de hacer la construcción.<hr/>Abstract Starting from the appearance and disappearance of a voice, which, in off, is installed to turn the fragments of memory into a story, the must-tell that sustains the film The White Ribbon, directed by Michael Haneke, is discussed. From this unique reference, the voice-over, a particular interest is put in the process of listening, understood as the effort to define the construction of this story starting only known from hearsay. Consequently, the proposal, beyond telling the film or the story of what could be a possible argument over it, aims to elucidate what makes the concept of listening a subject that has little or nothing to do with the accuracy of the facts to be told, as what matters is what must happen while the duty to do the construction lasts. <![CDATA[Para una arqueología de la consciencia: La cardinalidad de la música en María Zambrano]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100217&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Nuestro trabajo es un estudio teórico cuyo objetivo es iluminar el rol paradigmático o cardinal de la música al interior de la obra de María Zambrano, proponiendo su solidaridad respecto del estado primordial de consciencia al que ella misma conduce. Consideraremos la metarritmisis sobrellevada por el discurso de la filósofa en cuanto progresivo descubrimiento de tal solidaridad, deteniéndonos en cómo Zambrano ejemplifica esta metamorfosis mediante el padecimiento de Antígona.<hr/>Abstract: Our work is a theoretical study aimed at explaining the paradigmatic or cardinal role of music within María Zambrano's work, proposing its solidarity with the state of primordial consciousness to which it leads. We will consider the metarritmisis of the philosopher's discourse as the progressive discovery of such solidarity, examining how Zambrano exposes this metamorphosis through Antigone's suffering. <![CDATA[La vida de las líneas]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100243&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Nuestro trabajo es un estudio teórico cuyo objetivo es iluminar el rol paradigmático o cardinal de la música al interior de la obra de María Zambrano, proponiendo su solidaridad respecto del estado primordial de consciencia al que ella misma conduce. Consideraremos la metarritmisis sobrellevada por el discurso de la filósofa en cuanto progresivo descubrimiento de tal solidaridad, deteniéndonos en cómo Zambrano ejemplifica esta metamorfosis mediante el padecimiento de Antígona.<hr/>Abstract: Our work is a theoretical study aimed at explaining the paradigmatic or cardinal role of music within María Zambrano's work, proposing its solidarity with the state of primordial consciousness to which it leads. We will consider the metarritmisis of the philosopher's discourse as the progressive discovery of such solidarity, examining how Zambrano exposes this metamorphosis through Antigone's suffering. <![CDATA[Rastros y gestos de las emociones. Desbordes disciplinarios]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100249&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Nuestro trabajo es un estudio teórico cuyo objetivo es iluminar el rol paradigmático o cardinal de la música al interior de la obra de María Zambrano, proponiendo su solidaridad respecto del estado primordial de consciencia al que ella misma conduce. Consideraremos la metarritmisis sobrellevada por el discurso de la filósofa en cuanto progresivo descubrimiento de tal solidaridad, deteniéndonos en cómo Zambrano ejemplifica esta metamorfosis mediante el padecimiento de Antígona.<hr/>Abstract: Our work is a theoretical study aimed at explaining the paradigmatic or cardinal role of music within María Zambrano's work, proposing its solidarity with the state of primordial consciousness to which it leads. We will consider the metarritmisis of the philosopher's discourse as the progressive discovery of such solidarity, examining how Zambrano exposes this metamorphosis through Antigone's suffering. <![CDATA[Tres metáforas metafísicas de la condición humana: El náufrago, el extranjero, el viajero]]> https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812019000100257&lng=es&nrm=iso&tlng=es Resumen Nuestro trabajo es un estudio teórico cuyo objetivo es iluminar el rol paradigmático o cardinal de la música al interior de la obra de María Zambrano, proponiendo su solidaridad respecto del estado primordial de consciencia al que ella misma conduce. Consideraremos la metarritmisis sobrellevada por el discurso de la filósofa en cuanto progresivo descubrimiento de tal solidaridad, deteniéndonos en cómo Zambrano ejemplifica esta metamorfosis mediante el padecimiento de Antígona.<hr/>Abstract: Our work is a theoretical study aimed at explaining the paradigmatic or cardinal role of music within María Zambrano's work, proposing its solidarity with the state of primordial consciousness to which it leads. We will consider the metarritmisis of the philosopher's discourse as the progressive discovery of such solidarity, examining how Zambrano exposes this metamorphosis through Antigone's suffering.